Дом с зеркальным фасадом в Мексике

В лесистых окрестностях мексиканского города Монтеррей появился необычный дом. Случайным прохожим не так уж и просто заметить его, ведь из-за своего зеркального фасада постройка практически невидима. Зато хозяева, находясь внутри дома, могут беспрепятственно наслаждаться пышной зеленью сквозь прозрачные стекла.






Архитектор Татьяна Бильбао (Tatiana Bilbao) стала автором проекта «Лос Терренос» («Los Terrenos» ). Заказчик предоставил в распоряжение Татьяны участок площадью 2200 квадратных метров. Она решила подойти к делу нестандартно и вместо одного дома спроектировала три: гостиную с зеркальным фасадом, спальню, построенную из кирпича, и еще одна структура из натурального дерева пока находится в стадии разработки.



Наибольший интерес представляет гостиная с кухней и столовой. Дело в том, что практически полностью здание сделано из металлического каркаса и стекла. Находясь внутри постройки, хозяева могут беспрепятственно наслаждаться прекрасным видом, ведь прозрачные стекла как бы стирают границы между внутренним пространством и окружающей природой. Минималистский интерьер компенсирует прекрасный экстерьер.



Ну а снаружи дом практически незаметен для случайных путников, ведь он имеет зеркальный фасад, отражающий сочную зелень леса. Форма крыши имитирует очертания вершины близлежащей горы.



Los Terrenos. Спальня.



Los Terrenos. Ванная.

источник

@темы: картинкоспам, интересности, архитектура

---

Украшения из фильма "Унесенные ветром"

Помните, рассказывала про ювелира Joseff of Hollywood? Обещала отдельно показать его работы для фильма "Унесенные ветром".




Уточняю, что все не "настоящие" камни, а бижутерия.

"Аметистовое ожерелье", которое Скарлетт носила во время медового месяца с Реттом в Новом Орлеане.


Стартовая цена 15 тыс. долл.
(Бижутерия-реквизит будет распродаваться послезавтра на аукционе «Joseff of Hollywood: Treasures from the Vault», Julien's Auctions, в том числе онлайн, старт 11/18/2017 10:00 AM PST)



После этого фильма ожерелье снялось еще в трех лентах

1948, Let's Live A Little, starring Hedy Lamarr.


Ginger Rogers in The Barkleys of Broadway, in 1949.


Linda Darnell in Blackbeard the Pirate, from 1952


"Коралловое ожерелье" из начальных сцен на барбекю в поместье "12 дубов"
от 10 тыс. долл.




Это новая реплика



Портсигар Ретта, который он пожертвовал на балу "для наших дорогих солдат"
от 10 тыс. долл.

Помните, как в книге:

"...С чувством глубокого облегчения Скарлетт прежде всего подумала о том, что вдовий наряд не позволил ей, слава тебе господи, надеть ни своих любимых золотых серег, ни тяжелой золотой цепи, полученной в подарок от бабушки Робийяр, ни золотых с черной эмалью браслетов, ни гранатовой броши. Она смотрела, как маленький зуав с дубовым лукошком в здоровой руке обходит ту часть зала, где находится ее киоск, и как все женщины — и старые и молодые — весело, торопливо стягивают с рук браслеты, притворно взвизгивают от боли, вынимая серьги из ушей, и помогают друг другу разъять тугие замочки драгоценных колье или открепить от корсажа брошь. Позвякивание металла, возгласы: «Постойте, постойте! Вот! Я уже отцепила!» Мейбелл Мерриуэзер стягивала с рук парные браслеты, обхватывавшие запястья и руки выше локтей. Фэнни Элсинг, воскликнув: «Мама, позволь мне!», снимала с головы золотую, обсыпанную мелким жемчугом диадему — фамильную драгоценность, передававшуюся из поколения в поколение. И всякий раз, как новое пожертвование падало в лукошко, раздавались восторженные возгласы и аплодисменты.

Маленький зуав, улыбаясь, приближался теперь к их киоску; висевшее на локте лукошко уже оттягивало ему руку, и когда он проходил мимо Ретта Батлера, в лукошко небрежным жестом был брошен тяжелый золотой портсигар. Зуав поставил лукошко на прилавок, и Скарлетт беспомощно развела руками в знак того, что у нее ничего нет. Она была сконфужена, оказавшись единственной женщиной, которой нечего было пожертвовать. И тут блеск массивного обручального кольца приковал к себе ее взгляд".



Это, как я поняла, пряжка с его пояса, но почему-то идет одним лотом.





Сережки-колокольчики Красотки Уотлинг
от 1 тыс. долл.







Шпилька, которую носила Джоан Беннет на пробах на роль Скарлетт
от 250 долл.



Цепочки для часов, неизвестно чьи
от 150-250 долл.



Носили их вот так


Вот еще интересно (с другого аукциона) - набор бижутерии Hickok, лицом которой был Кларк Гейбл, и которую продвигали после выхода фильма отсылками к этому хиту. Видимо, презентационный набор, принадлежавший вице-президенту компании.




А вот этот браслет Скарлетт тоже из фильма, но на аукционе его не будет (а на выставке в музее фильма был).


Медальон одной из сестер Скарлетт.


Вот другие украшения со скриншотов. Как хорошо все продумано и сочетается и с нарядами, и с текущим состоянием личности героини.












(c)

@темы: кино, картинкоспам, красивости

---

Локации мультфильмов Pixar

Студия Disney показала места, где проходили съемки мультфильмов «Вверх», «Тачки» и «Головоломка».



(c)

@темы: mult, видео, YouTube, как это сделано

---

Иродион

Расположенный в Иудейской пустыне в 12 км к югу от Иерусалима, Иродиум похож на потухший вулкан. В действительности же это крепость, построенная королем Иродом Великим в период между 23 и 15 годами до н.э. Дворец и крепость короля Ирода были построены на естественном холме, который увеличили и придали форму конуса. Комплекс был окружен двойными стенами высотой в 20 метров. Внутри Ирод построил дворец с большими залами, внутренними дворами и богатыми банями. Повсюду были высажены многочисленные сады, вода в которые доставлялась посредством акведука из Бассейнов Соломона под Вифлеемом. Будучи самым высоким пиком в Иудейской пустыне, Иродион открывает потрясающий вид на пустыню, с горами Моава на востоке и Иудейскими Холмами на западе.

Давайте посмотрим на это место подробнее …

Фото 2.

Иродион использовался как летний дворец, монумент, семейный склеп, столица округа и крепость. Построен он был — по обету — на том месте, где Ирод когда-то выиграл битву у войска Мирьям Хасмонейской, вынудившей бежать претендента на престол из Иерусалима.

Для этого Ироду пришлось увеличить гору по высоте примерно на треть — на 200 ступеней из белого мрамора. Это, кстати, единственное место, носящее имя Ирода.

Фото 3.

Национальный парк Иродион расположен в 15 километрах к югу от Иерусалима и около 5 километров на юго-восток от Бейт Лехема, близко к древним дорогам, ведущим на Мертвое море.

Иродион построен в 23-20 годах до нашей эры как грандиозное сооружение, состоящее из 2-х частей: Иродион верхний — дворец, крепость и монумент, облаченные в искусственную гору, имеющую форму вулкана, и Иродион нижний, находящийся у подножия и включающий в себя многочисленные дворцовые корпуса для членов царской семьи и его детей. Здесь был центр округа, хотя сам царь приезжал сюда крайне редко.

Фото 4.

Ирод очень гордился своим строительством и когда в 15 году до нашей эры к нему приезжает в гости Агриппа, зять и заместитель императора Августа, Владыки Вселенной, Ирод устраивает ему экскурсию по своим дворцам и крепостям — здесь, в Иерихоне, Баниасе и других местах. После смерти Архелая, сына Ирода (4 год до нашей эры — 6 год нашей эры), Иродион принадлежал римским наместникам до 66 года, когда перешел в руки евреев во время великого восстания против римлян.

Повстанцы воздвигли на месте синагогу и бассейны для ритуального омовения, и находились там 4 года, пока крепость не была захвачена римскими войсками. Наряду с Михваром и Масадой, крепость эта пережила падение Иерусалима и была захвачена позже.

Фото 5.

Иродион был заброшен до 132-135 годов, когда в нем обосновались участники восстания Бар Кохбы. После подавления восстания место было оставлено, и заселение здесь возобновилось только в византийский период (5-7 века) когда на развалинах крепости поселилась большая община византийских монахов — отшельников, которые построили здесь три церкви из камней иродианских сооружений.

Позже, эти же камни использовались для строительства арабских домов округи. После арабского завоевания в 7 веке место было вновь покинуто до тех пор пока в его окрестностях не поселились бедуины, женившиеся на беженках-арабках из лагерей несколько десятков лет тому назад.

Первые раскопки в верхнем Иродионе были организованы в 1962-67 годах, отцом В. Корбо для школы францисканцев в Иерусалиме. Раскопки в нижнем Иродионе проводились Эхудом Нецером в 1972 году по заказу Еврейского университета, и они продолжались до 1988 года. В это время также была обнаружена система тайных убежищ времен Бар Кохбы, расположенная под верхним Иродионом, и включающая водяные ямы, туннели и выходы для внезапных атак, что свидетельствовало о высокой сообразительности его строителей. По определению Нецера, вход во дворец находился с северной стороны, там где археологи поставили мостик, и был единственным.

Фото 6.

Современный спуск во двор насыпан в наше время на остатках стены и арок иродианского периода. Бывший спуск с горы, тот самый, выложенный мрамором, показывает сейчас гряда упавших камней.

Центральное сооружение верхнего Иродиона — круглое здание, окруженное полукруглыми башнями, а с востока круглой — является совершенно выдающимся для древнего мира. Высота строения была порядка восьми этажей, из которых пять были жилые! В центре здания, облаченного в искусственную гору, располагался дворец царя Ирода, классическая римская баня, древнейшая синагога, огромная подземная емкость для воды. В римской бане рядом с «горячей» комнатой — кальдериумом — находится еще одна круглая комната, возможно, закрытая купальня, потолок которой сделан в виде купола — и это самый древний безопорный купол в мире, наряду с куполом над могилой в Себастии иродианского же строительства. Первые такие сооружения появляются только над круглыми комнатами, строить купола над квадратными помещениями научились лишь значительно позже. У самого пола этой комнаты сохранились остатки штукатурки и цветной фрески, которой были украшены ее стены. Со двора крепости ведет подземный ход к водной системе, располагающейся на половине высоты горы. Тот ход, по которому можно спуститься сегодня — современный, однако видны следы древнего, прорытого восставшими во времена Иудейской войны, для того, чтобы доставать воду, не выходя из крепости.

Фото 7.

Во времена Ирода, воду доставляли с внешней стороны из огромных цистерн, куда собиралась влага со всей округи при помощи системы акведуков. Нижние дворцы и служебные здания Иродиона были построены вокруг красивого сада в римском стиле, окруженного колоннами. В саду находились специальные площадки для загара, отдыха и трапез, а в центре его располагался огромный бассейн 70 на 45 метров, который использовался для купания, гребли и как запас воды. Колонны, сегодня стоящие вокруг бассейна — современная реставрация.

Остатки еще одного, центрального, крыла дворца находятся в южной части большого прямоугольного здания к югу от бассейна. У подножия его проходит маршрут длинной 350 метров, который использовался, по мнению Эхуда Нецера, для похоронной процессии Ирода, описанной Иосифом Флавием. Царь Ирод Великий, по сообщению Флавия, умер в Иерихоне. Из Иерихона тело перевезли в Иерусалим, откуда и вышла похоронная процессия.

С февраля 1997 года раскопки на Иродионе были возобновлены и продолжаются по сей день, проводит их вновь Эхуд Нецер, основная цель исследований — поиски и раскопки могилы Ирода Великого. В мае 2007 профессором Эхудом Нецером было официально объявлено о находке на склонах Иродиона склепа – могилы царя Ирода. И, хотя исследования еще не закончены, вероятность того, что обнаруженные руины являются могилой этого, одного из самых известных из царей Иудей, очень велика. Могила Ирода находится строго на север от вершины горы Иродиона, на две трети примерно высоты от ее подножия, слева от главной дворцовой лестницы (Флавий), вплотную к ней примыкая и распространяется на два дестяка метров на восток, гору огибая. По высоте разрез раскопа не превышает 5 метров.

Фото 8.

На месте можно достаточно четко определить четыре периода. Наиболее поздний относится ко временам Бар-Кохбы (135 г.). В основном, это туннели (подземные ходы), некоторое количество керамики. Возможно, к этому же периоду можно отнести довольно большое количество кусков обработанного дерева, в большом количестве имеющегося в раскопе и, возможно, монету, до сих пор не прочитанную и неопределенную из-за плохого ее состояния. Период этот характеризует грубая, не тщательная деятельность, отсутствие обработки стен туннелей. Подземные ходы, очевидно, связывали разрушенное до этого периода монументальное сооружение с заброшенной восточной цистерной.

Предыдущий период — Иудейская война (70 г.). К нему, видимо, относится огромное количество найденных в раскопе ядер баллисты размером с апельсин или несколько более, два наконечника стрел римского образца. Строительных элементов этого периода, разумеется, не существует. Судя по сделанным находкам, здесь имел место довольно серьезный бой, в ходе которого, очевидно, и было разрушено монументальное сооружение сайта.

Еще более ранним является период строительства монументальных сооружений Иродиона (-20 — 4 г. до н.э.). В раскопе обнаружен мощный подиум размерами примерно 10 на 10 метров, практически примыкающий к главной дворцовой лестнице. Подиум сделан из очень тщательно обработанных и пригнанных доломитовых блоков. По архитектонике подиума видно, что на нем стоял либо стилобат, либо декоративные стены или портик. На подиуме и вокруг него — фрагменты колонн, капителей и монументального саркофага, разбитого вдребезги явно специальным образом. Саркофаг из более светлого камня, жесткого известняка, розово-красноватого, довольно редкого, тщательно обработан, резьба представляет собой геометрические и растительные изображения. Изображений животных или людей не обнаружено.

Фото 9.

Под подиумом можно предположить опрные стены или арки, пока не раскопанные. К этому же периоду относится мощная облицовочная стена из хорошо обработанных камней типа глясиса, идущая вкруг горы за сайтом и на десяток, по крайней мере, метров восточнее. Судя по проделанным археологами шурфам, стена эта описывала всю окружность Иродиона. С запада стена упирается в главную лестницу, впрочем, продолжается и западнее нее, опоясывая всю гору вокруг.

Сама главная лестница, описанная у Флавия, покоится на мощной опорной стене и относится к тому же периоду. Найдено некоторое количество керамики и кухонной посуды для готовки, иродианского типа.

Самый ранний период, видимо, время строительства Иродиона, до 20 г до нашей эры. Как под монументальным сооружением, так и под стеной, на которую опирается главная дворцовая лестница, видны остатки более ранних сооружений, в том числе, оштукатуренного водного резервуара. По первому предположению исследователей — резервуар миквы, однако ее наличие на том месте, где позже прошла главная лестница и до строительства склепа необъяснимо. Кроме того, резервуар имеет прямые стены и нет в раскопанной части намеков на спускающиеся в него лестницу или рампу. Скорее всего, речь идет о технических сооружениях, использовавшихся строителями Верхнего дворца в ранний его период и позже заброшенных.

Фото 10.

Найденное сооружение с большой степенью вероятности может оказаться искомой могилой Ирода Великого, описания которой у нас, увы, нет — лишь церемония погребений, описанная Иосифом Флавием. Здесь найден ряд сооружений, не упоминающихся Флавием и, видимо, относящихся как к архитектуре самого Верхнего дворца, так и найденного сооружения (предположительно, мавзолея).

Склеп раскопан, судя по всему, лишь менее, чем на четверть, ожидаются работы как вокруг здания, так и внутри него, а также исследования вглубь в попытке обнаружить поддерживающие его стены или арки. Никаких надписей или их фрагментов на сооружении пока не найдено. Лишь после полного окончания работ можно будет сделать окончательные выводы.

Сооружение построено очень тщательно и монументально, что тоже свидетельствует в пользу версии могилы царя. Кроме того, явно варварское уничтожение сакрофага говорит о том, что он был разбит врагами человека, в нем похороненного — а кто не как Ирод мог вызвать такую ненависть. Кроме того, известно, что в саркофаге содержалось огромное количество золота и драгоценных камней, так что разбить его могли и грабители. Впрочем, можно предположить также, что саркофаг был уничтожен в результате прямых попаданий ядер во время Иудейской войны.

Фото 11.

Фото 12.

Фото 13.

Фото 14.

Фото 15.

Фото 16.

Фото 17.

Фото 18.

Фото 19.

Фото 20.

Фото 21.

Фото 22.

Фото 23.

Фото 24.

Фото 25.

Фото 26.

Фото 27.

Фото 28.

Фото 29.

Фото 30.

(c)

@темы: картинкоспам, архитектура

---

Новые достижения Boston Dynamics

Американская компания Boston Dynamics анонсировал новую версию робота SpotMini, которая отличается небывалой пластичностью движений. На видео высокотехнологичный механизм пробегает мимо камеры и как бы невзначай заглядывает в неё. Честно говоря, от этого мурашки по спине идут, недобро машина смотрит, свысока что-ли...



(с)

@темы: видео, интересности, YouTube, наука

---

"Чужие" – нашествие на подступах к Иерусалиму

Посмотрите на эти мешки с шевелящейся массой жителей внутри. Они из паутины, а ее оставили относительно небольшие пауки семейства тетрагнатид. Их невероятно много, паучьи дома развернулись целой лентой вдоль берега реки Сорек, недалеко от Иерусалима.

Это необычное зрелище и даже скорее уникальное.  Возможно, такое чудо было обычным явлением, когда людей на Земле было мало. Но и это вряд ли; дело в том, что для пауков, которые создали целый город, там сегодня много еды: ручей Сорек в значительной степени содержит очищенные сточные воды, полные питательных веществ, которые способствуют распространению москитов, а те, в свою очередь служат источником пищи для пауков.

Игорь Армикач, докторант Еврейского университета, осматривает гигантское скопление недалеко от Иерусалима




Пауки-тетрагнатиды на зарослях вдоль реки Сорек




У этих паукообразных удлиненное тело и длинные ноги




Обычно они строят круглые ловчие сети (их еще называют колесовидные), иногда с отверстием в центре




Такие пауки могут жить в травяном ярусе, а также на кустарниках и деревьях





«Это исключительный случай, - сказал арахнофил Игорь Армикач, докторант сборника «Арахнид» Еврейского университета.

Он сказал, что миллионы длиннохвостых пауков, называемых Тетрагнатхас, создали ленту, которая окутывает лес, явление, которое чрезвычайно редко встречается на Ближнем Востоке.

Сегодня пауки повсюду вдоль берегов ручья, но их будущее мрачное. Более холодные температуры вскоре приведут к резкому падению численности популяции комаров, которые поддерживают ткачих.

Тысячи нитей окутали растения у воды



(c)

@темы: картинкоспам, зверики

---

Лица русской революции

С небольшим запозданием, но все же выложу пост приуроченный к 100-летию Октябрьского переворота. Я бы не стал поднимать эту тему, если бы не файлы, которые довольно давно пылятся на диске моего компьютера. Нашел я их в одном из американских архивов и сохранил для будущего поста. Во минувший вторник настал тот самый день, когда бы их надо было выложить, но разобрать фото и написать пост у меня получилось только сегодня. Ниже вы увидите лишь маленькую часть огромной картотеки Охранного отделения российской полиции с фотографиями революционеров. Она, наряду с тысячами других документов по российской истории, хранится в архиве одного из американских университетов.

Картотека охранки состоит из почти 2000 фотографий и карточек. В оцифрованном виде есть только сами фото с фамилиями и именами изображенных на них людей. Никакой другой информации нет. Я прошелся гуглом по имеющимся данным и дал ссылками то, что смог найти. Чьи-то имена вам всем знакомы, но в большинстве случаев подробности утеряны и мы, вероятно, уже никогда не узнаем о том, кем были эти люди, за что их арестовали и как сложилась их дальнейшая судьба. Подозреваю, что многие сгорели в пламени разожженного ими же самими пожара. Поэтому предлагаю просто вглядеться в лица революционеров, которые когда-то вовсю "раскачивали лодку" и активно приближали страну к тому, что случилось с ней 100 лет назад.

1.Климин Борис Иннокентьевич.



2. Ашкинази Шлема Шмулевич.



3. Бабин Борис Вячеславович.



4. Бронштейн Лейба Давидович (Лев Троцкий).



5. Прокофьева Мария Алексеевна (1883—1913). Член Боевой организация партии социалистов-революционеров.



6. Дзервен.



7. Дзержинский Феликс Эдмундович. Фото сделано в Бутырской тюрьме в 1909 году.



8. Гольдберг Владислав.



9. Голубоглазов Михаил.



10. Гроссер Бронислав Никидимович.



11. Kаплик Берко.



12. Киреевский Семен.



13. Коган. Возможно, что это Коган Евгения Соломоновна.



14. Красиков Пeтр Ананьевич.



15. Крупская Надежда Константиновна.



16. Куприянов Дмитрий Федорович.



17. Леман Инна Гермогеновна.



18. Лурье Михаил. Возможно, что это он, хотя фото не совпадают.



19. Морозова Анна Ивановна.



20. Мунич.



21. Николаев Михаил Константинович.



22. Новожилов Александр Николаевич.



23. Преображенский.



24. Рабинович Роза.



25. Рошат.



26. Шрапунов.



27. Соколов.



28. Соловьев (Соловичин).



29. Тарло (Кац).



30. Тибальди.



31. Титов Виталий.



32. Вихи.



33. Вульпе Иван Константинович.



34. Журовский Чеслав-Феликс Игнатьевич. Есть ссылка на дело в Государственном архиве Пермского края, но больше ничего не нашел.



35. Арнев Александр Яковлевич.



36. Красин Леонид Борисович.



37. Клышко Николай Клементьевич.



38. Файман.



39. Соседков Дмитрий Иванович. Анархист. Екатеринбургская губерния



40. Лишев Николай Викторович. Член партии Социалистов-Революционеров.



(c)

@темы: картинкоспам, интересности

---

Фотопроект о плачущих мужчинах

Молодой, но уже многообещающий фотограф Мод Фернхоут из Голландии посвятила свою работу несколько необычной теме, которую редко обсуждают, — можно ли мужчинам плакать. Для 19-летней студентки факультета искусств и гуманитарных наук Утрехтского университета фотография всегда была способом выразить себя и поведать о своем мнении, помочь другим людям сделать то же самое, раскрыться перед всем миром.

«Будь мужчиной» — эту фразу мы слышим с самого детства, если адресованную не нам, то мальчикам-друзьям, братьям и просто проходящим мимо детям на улице. Эту фразу повторяют своим сыновьям мужчины, так как им с раннего возраста внушали это родители. Быть настоящим мужчиной означает подавлять эмоции, вести себя так, словно их нет. Яркий пример — мужчины не должны плакать, даже в детстве.

Мод Фернхоут рассказала в описании своего фотопроекта: «Я считаю, что проявлять эмоции и быть таким образом откровенным с окружающими тебя людьми — это свидетельство внутренней силы, а вовсе не слабости». Моделями для фотосессии стали однокурсники девушки.





Джоб, 18 лет: «Я не считаю слезы проявлением слабости. Если я плачу, значит, я понимаю свои эмоции, я могу двигаться вперед. Это делает меня сильнее».

Чтобы добиться от своих моделей слез, Мод ставила грустные песни и показывала фотографии, расспрашивала о прошлом, в котором у каждого из нас есть печальные моменты.



Милош, 20 лет: «Вода очищает тело, а слезы — душу».



Тобиас, 18 лет: «Люди привыкли к стереотипу, что слезы — это единственный способ выразить печаль. Лично я никогда не считал, что плакать для мужчины — это что-то постыдное или что это какая-то проблема, пока не принял участие в этой фотосессии».



Франко, 19 лет: «Любой человек имеет право на слезы, будь то мужчина или женщина».



Кевин, 19 лет: «Мир полон печали, боли и радости. Хорошо, что у людей есть возможность выразить эмоции».



Бакминстер, 20 лет: «Каждый раз, когда я плачу, я улыбаюсь после, потому что осознаю, что нам, людям, дарованы подлинные эмоции».



Джип, 20 лет: «Слезы — это одна из способностей, которые отличают нас от животных. Как ни странно, нам приходится подавлять нашу природу, чтобы не выделяться в обществе».



Гиджс, 19 лет: «Слезы являются одним из самых красивых проявлений, на которые мы способны, так что не бойтесь плакать».



Арфор, 19 лет: «Кто-то смеется, кто-то плачет. Что плохого в том, что человек делает то, что естественно?»



Мориц, 19 лет: «Слезы — это не проявление слабости, а принятие тех эмоций, которые ты испытываешь. Для меня это признак силы, смелости».

Может быть, вы в следующий раз задумаетесь перед тем, как повторять своим детям бездумные фразы «взрослые не плачут» и «настоящие мужчины не должны плакать»?

источник

@темы: картинкоспам, интересности

---

Коллекция каменных цветов работы Фаберже

Когда речь заходит о Карле Фаберже, первым делом в памяти всплывают его удивительные шедевры – пасхальные яйца, прославившие этого мастера на весь мир. Но не менее прекрасны и другие его ювелирные изделия, изготовленные из различных самоцветов, особенно это касается удивительных по красоте и изяществу цветов, из которых он больше всего любил скромные полевые.



Для этих целей Фаберже использовал палитру самых разных минералов. Он первым, оценив многоцветье уральских, сибирских и кавказских самоцветов, начал с ними работать, научился менять их природный цвет, чтобы добиться требуемого оттенка, умел придавать любой цвет золоту, смело сочетал в своих изделиях благородные материалы и не очень. Великий мастер владел множеством секретов, разгадать которые ювелиры не могут до сих пор.



Карл Густавович Фаберже

Интерес к изготовлению цветов возник у Фаберже вскоре после того, как однажды в мастерскую принесли на реставрацию необыкновенной красоты букет хризантем, сделанный в Китае. Фаберже был восхищен работой китайских мастеров, загорелся идеей создать собственный «гербарий» и вскоре совместно со своими мастерами приступил к созданию каменных цветов.

В ювелирном доме Фаберже работали настоящие искусники, такие как Михаил Евлампиевич Перхин, Август Вильгельм Хольмстрем, Генрик Эммануил Вигстрем, Эрик Август Коллин, которые и прославили имя Фаберже на всю Европу.

В 1896 году купцы из Нижнего Новгорода преподнесли императрице Александре Федоровне в честь коронации необыкновенной красоты подарок – букетик лесных ландышей в золотой корзине, при этом цветы ландышей были сделаны из жемчуга и бриллиантов, а листья, совсем как живые, – из нефрита. Эта работа представляла собой копию украшения из дворца китайского императора.



Корзина с ландышами, Фирма Фаберже, мастер Август Хольстрем. 1896 г. Золото, серебро, нефрит, жемчуг, алмаз

Следует отметить, что чистое копирование Фаберже не приветствовал, он считал, что изделия каждого художника должны быть уникальными.

Стоимости изделий Фаберже не придавал особого значения, они могли быть оценены как в один рубль, так и в сто тысяч рублей, в зависимости от используемых материалов. А превыше всего Карл Фаберже ценил идею, художественную фантазию и мастерство ювелиров и камнерезов-виртуозов.

Не испытывал он особого благоговения и перед дорогими материалами. Если готовое изделие ему не нравилось, не было в нем того очарования, которое он хотел в итоге увидеть, Фаберже мог без сожаления разбить его.

Вазочки для цветов мастера дома Фаберже в основном делали из горного хрусталя с применением особой технологии. Благодаря его прозрачности создавалась иллюзия, что цветы стоят в сосудах с настоящей водой.

Одним из самых удивительных цветов, созданных Фаберже, является обыкновенный одуванчик, с золотым стебельком и нефритовыми листьями, который с 1995 года хранится в Оружейной палате Московского Кремля.



Одуванчик в вазочке. К.Фаберже, 1914-1917 гг. Оружейная палата

Глядя на этот одуванчик, создается полное ощущение того, что это хрупкое создание только что аккуратно сорвали и поставили в воду. А мастеру удалось остановить мгновение…

Самым удивительным в этом цветке является то, что на концах его серебряных тычинок совершенно непостижимым образом закреплен настоящий пух от одуванчиков. Мало того, сверху разбросаны еще мелкие бриллианты, которые при определенном освещении сверкают, подобно каплям росы.
Для экспертизы пуха вызывали даже ученых-биологов, и те достоверно установили, что он является настоящим, и возраст пуха соответствует дате создания этого шедевра – около ста лет. Каким образом Фаберже удалось закрепить невесомые пушинки и добиться их сохранности – совершенно непонятно…

Еще одно уникальное творение под названием «Анютины глазки», подобного которому нет в мире, было создано в 1904 году.



Анютины глазки. Фирма Фаберже, мастер Г. Вигстрем. Горный хрусталь, алмазы, стекло, кость, золото. Музеи М. Кремля

Внутри него скрыт особый миниатюрный механизм, который срабатывает при нажатии на крохотную кнопочку. Лепестки цветка раскрываются, и внутри него появляются портреты всех детей императорской семьи. Этот цветок Николай II преподнес своей супруге на десятилетнюю годовщину их свадьбы.

Мастера и дизайнеры дома Фаберже создали множество цветочных композиций из отдельных цветов и букетов, глядя на которые, невозможно поверить, что они сделаны из камня.

Давайте полюбуемся на эти удивительные цветы…





















Самая большая коллекция каменных цветов работы Фаберже находится сейчас в собственности английской королевы Елизаветы II 26 работ из 80 изготовленных.
Основную часть коллекции собрала в свое время королева Британии Александра, приходящаяся сестрой русской императрице Марии Федоровне.

источник

@темы: искусство

---

От Венеры палеолита до Кардашьян. Как менялась мода на грудь

Мода меняется. Это такая непреложная истина, что не стоит даже говорить. Стили одежд, типы лиц и фигур – все меняется на протяжение веков - в зависимости от строя, идеологии и потребностей общества. И художники, воспеватели ценностей и красоты точно отражают тенденции.

Ученые говорят, что на заре цивилизации был матриархат. И символом женщины, матери была грудь. И еще с тех времен, наверно, форма и размер груди стали одним из мерил женской привлекательности и источником вдохновения для скульпторов и художников.

Верхний палеолит и неолит

У народов, живших 20-10 тысячелетий назад кочевой жизнью, судя по статуэткам, сохранившимся с тех времен, идеальной считалась женская фигура с большим тазом и огромной, выкормившей с десяток детей, грудью.

Крито-микенский период

Колыбелью европейской культуры считается минойская и микенская цивилизация III-II тысячелетия до новой эры, процветавшая на территории Крита и Балканской Греции. Изобразительное искусство в те времена уже было достаточно развито, и художники стали идеализировать и подчеркивать женскую красоту.

Какая красота без груди?

Высокая грудь правильной округлой формы — свидетельство гармоничного физического развития тела у женщин эгейской цивилизации. Размер ее, судя по пропорциям, около третьего.

Удивительно, что такая тяжелая грудь выглядит высокой. На самом деле, женщины использовали тот же прием, что и современные дизайнеры, создающие модели бюстгальтеров пуш-ап. Верхняя часть одежды, нечто типа болеро, по бокам сдавливала грудь, смещая ее к центру и за счет этого визуально увеличивая.

Греция с VIII до I веков до новой эры

Архаика, классицизм и эллинизм.

В классической Греции и в эллинистическом периоде мы видим всю красоту нагого тела. Причем оно изображается без всяких условностей — как есть.

Раннее христианство и средневековье

Вплоть до эпохи Возрождения женщина должна была морально соответствовать христианским понятиям о праведности и целомудрии. Поэтому все, что подчеркивало красоту ее тела и могло соблазнить мужчину, считалось греховным. Кормить детей грудью также было недостойным занятием у женщин — истинных христианок.

Если взглянуть на дошедшие до нас произведения средневекового искусства, мы обнаружим, что у дам нет груди. От слова "совсем". Со сколько-нибудь обозначенными формами художники изображали преимущественно служанок – девицам из простонародья не возбранялось иметь бюст, он лишь служил очередным подтверждением их грубости, развращенности и общего бескультурья. Дворянки же такой неприличной и богопротивной детали в своем облике допустить никак не могли.

Рахитичное телосложение с узкой и впалой грудной клеткой, выпяченным животом стало идеалом красоты. Это был период самой нездоровой моды на плоскогрудых, лишенных румянца женщин. Красавиц сжигали на костре, поскольку они вводили в искушение мужчин, а, следовательно, были пособниками нечистой силы. На фресках изображаются мученицы и мадонны, которых от мужчин отличает лишь одежда, а на картинах — смиренные праведницы, заковавшие свою природу в жесткие корсеты.<

От ренессанса до викторианской эпохи

Все плохое когда-нибудь заканчивается, и вслед за мрачным средневековьем наступила эпоха Возрождения. Женская грудь была «выпущена на свободу», но большой бюст по-прежнему не считался идеальным в среде знати. Небольшую грудь мы видим даже на картинах такого любителя пышных дам, как Питер Пауль Рубенс. В то же время, корсеты делались таким образом, чтобы грудь приобретала аппетитную форму. Глубокие декольте притягивали мужские взоры. А для большего эффекта на грудь наклеивали мушки.

Позже наступила викторианская эпоха, когда грудь драпировали, закрывали полностью от мужских взоров под строгими одеждами и старались визуально уменьшить ее объемы.

Но потом на смену аскетичности опять прила пыная грудь. Случилось это на заре ХХвека.


<

 ХХ и XXI век

Пышная грудь царила почти столетие практически безраздельно, но в ХХ веке ее господству пришел конец. Стиль модерн потребовал новых стандартов красоты.

20-е годы ХХ века диктовали моду на женщин хрупких, угловатых или изящных, при этом достаточно спортивных. Красавицы этого периода худы, как борзые, с узкими бедрами и маленькой грудью или вообще с полным ее отсутствием.

А затем наступил век революций. Все менялось стремительно, и худенькие, похожие на мальчиков, красавицы декаданса уходили, уступая место девушкам с бюстом третьего размера. Утверждают, что в сороковые годы японские проститутки делали себе инъекции парафина в грудь, чтобы понравиться американским служивым. Затем Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Софи Лорен блистали с экрана.

В семидесятых годах вошли в моду девушки — «твигги». Это был псевдоним одной из популярных моделей, грудь которой была первого размера. И этот стандарт держался довольно долго по меркам современной моды, вплоть до конца девяностых годов. Женщины худели, худели и снова худели, чтобы добиться модельной внешности. Хорошо, что Джейн Фонда с ее аэробикой призывала худеть не с помощью диет, а за счет физической активности.

Потом, в 90-х годах, появилась Памела Андерсон с ее грудью четвертого размера. И прекрасная половина ударилась в другую крайность. Появились и доступные, безопасные для здоровья силиконовые имплантаты, благодаря которым можно наращивать грудь до желаемого номера. В частности, у американки Майры Хиллс вживлены имплантаты весом в 18 кг.<

В последние годы мода на огромный бюст стала утихать и многие из звезд, которые ещё недавно закачивали силикон, например, Памела, избавляются от него.

(c)

@темы: картинкоспам, интересности, искусство

---

Немного ми-ми-ми

(с)

@темы: ми-ми-ми, зверики

---

Потрясающие финалисты комедийной фотографии дикой природы 2017

Comedy Wildlife Awards опубликовала лучшие фотографии своих финалистов. Конкурс основан фотографами из Танзании Полом Джойнсоном-Хикс МЛЭ и Томом Сулламом, цель наград - сосредоточить внимание на усилиях по сохранению дикой природы. А что может быть для достижения этой благой цели лучше, чем юмор!
Некоторые фотографии, вы наверно видели, они распространялись по сети, как пожар. Но есть и неожиданные - прекрасные, веселые, живые. Приятного просмотра. (Фото: Оливье Колле / Комедия)

(Фото Евгения Китио)




(Фото: Carl Henry)





(Фото Джона Шеридан)




(Фото: Tina Stehr / Награды комедии дикой природы)




(Фото: Douglas Croft / Comedy Wildlife Photography Awards)




(Фото: Jasmine Vink / Comedy Wildlife Photography Awards)




(Фото: Трой Мейн / Комедия)





(Фото: Paulette Struckman / Премии фотографии дикой природы Комедии)





(Фото: Tanakit-Suwanyangyaun / Премия фотографии дикой природы Комедии)





(Фото: Мелисса Усри / Комедия)




(Фото: Пенни Палмер / Награды комедии за дикую природу)




Фото: Nadav Begim / Награды комедии за дикую природу)





(Фото: Брайан Валенте / Комедия)




(Фото: John Threlfall / Comedy Wildlife Photography Awards)





(Фото: Мелисса Нолан / Комедия)





(Фото: Грэм Ги / Комедия)





(Фото: Jean Jacques Alcalay / Премии фотографии дикой природы Комедии)




(Фото Иосифа Фридхубера / Премии фотографии дикой природы Комедии)




(Фото Дэйзи Гилардини / Награды комедийной дикой природы)




(Фото: Bence Mate / Comedy Wildlife Photography Awards)




(Фото: Линда Оливер / Награды комедии за дикую природу)




(Фото: Даниэль Трим / Комедия)




(Фото Андреа Зампатти / Награды комедийной дикой природы)




(Фото: Arkaprava Ghosh / Comedy Wildlife Photography Awards)




(Фото: Барб Д'Арпино / Награды комедийной дикой природы)




(Фото Джона Шеридана / Премии фотографии дикой природы Комедии)




(Фото: Carl Henry / Comedy Wildlife Photography Awards)

(c)

@темы: ми-ми-ми, картинкоспам, зверики

---

Межзвездный гость Солнечной системы получил собственное имя

Обнаружение первого межзвездного объекта в Солнечной системе стало не только одним из важнейших открытий года, но и поставило небольшую номенклатурную проблему перед Международным астрономическим союзом (МАС). Учитывая уникальность объекта, он определенно заслуживает собственного имени. В то же времени, действовавшие правила МАС не позволяли дать его объекту.

В итоге было решено создать новую серию обозначений специально для подобных тел. Первый межзвездный объект получил обозначение 1I и собственное имя 'Oumuamua. Оно было выбрано командой расположенного на Гавайях телескопа Pan-STARRS, который и обнаружил 1I. Название 'Oumuamua имеет гавайское происхождение. 'Ou можно перевести как «стремящийся наружу», а muamua как «первый» или же «разведчик». Название отражает то, что объект походит на разведчика или посланника из далекого прошлого.  Так что теперь для официального обозначения межзвездного гостя Солнечной системы  можно использовать следующие наименования: 1I; или 1I/2017 U1; или 1I/'Oumuamua; или 1I/2017 U1 ('Oumuamua).

До решения МАС некоторые ученые и популяризаторы космонавтики высказывали мнение, что объект стоит назвать Рамой — в честь инопланетного корабля из культового романа Артура Кларка «Свидание с Рамой».

(c)

@темы: космос, новости

---

Портреты русских цариц и царевен

Первые светские портреты на Руси появились в XVII веке, но женщин художники писали крайне редко, исключение делали лишь для цариц и царевен из рода Романовых. Рассказываю о том, как изображали обитательниц кремлевских теремов в допетровскую эпоху и как отличить их фальшивые изображения от настоящих.

ЦАРСКАЯ НЕВЕСТА

Портреты, которые создавали на Руси в XVII веке, в основном относятся к жанру парсун. Он близок к иконописной манере: люди изображались без эмоций на лице, но в богатых одеждах с тщательно выписанными узорами.

Именно так выглядит парсуна царицы Марфы Апраксиной из Русского музея (№1). В 1682 году Марфа стала женой царя Федора III Алексеевича (старшего брата Петра Великого), но провела на троне всего несколько месяцев — супруг болел и скоро умер. Парсуна, судя по девичьему головному убору, была написана еще до венчания, в те несколько месяцев, когда Марфа числилась царской невестой. Картина, созданная неизвестным художником из кремлевских мастерских Оружейной палаты, демонстрирует все черты наивного портретного искусства. У царицы неестественная поза, платье — будто аппликация, а лицо написано так, что зрителю трудно поверить в то, что Марфа считалась первой красавицей своего времени.

Так изображали женщин в Кремле отечественные мастера, но работали над портретами и иностранные живописцы. Их произведения более реалистичны, только вот великие художники до Руси не доезжали и среди этих полотен нет шедевров. Один из таких иностранцев, имя которого не сохранилось в истории, тоже написал портрет царской невесты Марфы — овальную картину из Русского музея (№2). На ней — непривычная для того времени «галантная» деталь: Апраксина держит на руках маленькую собачку.

Этот портрет, как и другие изображения Романовых, в последующие века копировался для украшения императорских резиденций, причем художники нового поколения «улучшали» его по своему вкусу. Поэтому в портрете из Гатчинского дворца (№3), созданном неизвестным автором уже в XVIII веке, с трудом угадывается исходный образец: краски на нем ярче, а сама Марфа красивее.

ЦАРСКИЕ ВДОВЫ

После смерти мужа Марфа Апраксина прожила еще 33 года как набожная вдова, не изменив своему образу жизни даже после того, как Петр I приказал ей переехать в новую столицу. На портрете, написанном в поздний период (№1), она предстает уже совсем иной: строгая немолодая женщина в мрачной одежде. Это не единственный сохранившийся портрет царской вдовы: на другом изображена вторая жена царя Алексея Михайловича — Наталья Нарышкина.

Она одета чуть наряднее, но тоже очень сдержанно (№2). Эта картина известна в десятке копий — портрет матери Петра Великого пользовался популярностью. Однако из архивных документов известно, какая из этих картин — оригинал (№3). Редкий случай — сохранилось даже имя живописца. Это был мастер Оружейной палаты Михаил Чоглоков, написавший портрет «во успении» в 1694 году, в течение девяти дней после смерти царицы. (Светский жанр портретов «во успении», которые предназначались для родственников и помещались в жилых покоях, возник в России в самом конце XVII века, до этого парсуны в основном предназначались для надгробного иконостаса в церкви).

ЦАРСКИЕ СЕСТРЫ

Писали художники не только царских жен, но и царских сестер. На самом торжественном портрете (№1) — царевна Софья Алексеевна, правительница-регент государства. Это аллегорическое полотно: Софья изображена в медальоне на груди двуглавого орла. Царевна написана в короне, со скипетром и державой, притом что помазана на царство она не была. Такая сложная композиция, нетипичная для русского искусства XVII века, проникла к нам из Европы: искусствоведы предполагают, что портрет Софьи написан на основе гравюры (№2) Леонтия Тарасевича, учившегося искусствам в Аугсбурге. Об этой работе ученым известно из судебного дела пособника царевны Федора Шакловитого — заказ образа Софьи со всеми регалиями ставился ему в вину, а все оттиски этой гравюры по указу Петра I разыскивались и уничтожались.

Неизвестно, писали ли портреты Софьи во время ее заключения в монастыре, но другая царевна в аналогичной ситуации для портрета позировала. В 1698 году по приказу Петра I единоутробная сестра Софьи царевна Марфа Алексеевна была пострижена в монахини за сочувствие и помощь свергнутой правительнице. Ее заключили в Успенский монастырь в Александровской слободе. Долгие годы там же хранилось ее изображение — сначала в монастыре, а потом в музее, но в 1986 году картину украли. Литография (№3), сделанная с портрета царевны Марфы в XIX веке, свидетельствует о том, что арестантку-монашку писали примерно так же, как царскую вдову, — в скромном головном уборе, без каких-либо атрибутов роскоши.

ВЫМЫШЛЕННЫЕ ПОРТРЕТЫ

Однако царевна Софья предстает на полотнах и совсем иной — юной прекрасной девушкой (№1). Это другой тип портретов — вымышленные: с реальностью они не имеют ничего общего. Дело в том, что подобные изображения Софьи — как и образы ее матери Марии Милославской (первой жены Алексея Михайловича, №2), а также бабушки Евдокии Стрешневой (жены Михаила Федоровича, №3) — создавались отнюдь не при жизни моделей.

Это ретроспективные портреты — выдумка живописцев XVIII– XIX веков.

Залы дворцов требовалось заполнять портретными галереями предков, и если было неизвестно, как выглядел умерший прародитель (или его портрет казался некрасивым), художник попросту выдумывал его облик с нуля. Узнать подобные вымышленные портреты легко: женщины на них наряжены в горностаевые мантии, которые появились в России как знак монаршего достоинства только после Петра, вместе с другими европейскими регалиями. Кроме того, у них массивные головные уборы, которых нет больше ни на каких других женских изображениях Романовых.

ИЗ ЦАРИЦЫ — В МОНАХИНИ

Петр I постриг в монахини не только сестер, но и свою первую жену: другого варианта развода в тот век не существовало. Портрет царицы Евдокии в монашеском облачении и за чтением молитвенника (№1) попал в коллекцию Исторического музея из Новодевичьего монастыря. В этой московской обители она доживала последние годы жизни уже в правление своего внука Петра II (сына царевича Алексея), однако на картине изображена молодой.

Еще один портрет Евдокии Лопухиной хранится в Русском музее (№2). На нем бывшая царица одета в скромную светскую одежду, напоминающую наряд сестры-монашки Марфы и вдов Апраксиной и Нарышкиной. Эта картина была написана в период царствования ее внука Петра II, когда ее освободили из-под надзора и доставили в столицу, доживать в роскоши. Одежда на ней не монашеская, однако темная и скромная.

Этот портрет был оригиналом, скопировав который изобразил Лопухину и неизвестный провинциальный примитивист — да так, что ее не узнать (№3). На этой парсуне царица сильно помолодела, а ее костюм стал по-настоящему царским: блестит драгоценная брошь, а парча шубы отливает золотом.

ЖЕНЩИНЫ НОВОГО ВЕКА

Совсем других портретов удостоились другие родственницы Петра I — женщины, которые демонстрировали одобрение новой политики и выполняли приказы, касающиеся формы одежды и вообще образа жизни. Речь идет о царице Прасковье Салтыковой (№2) — вдове его брата Ивана V и трех ее дочерях Екатерине, Прасковье (№1) и Анне.

Сохранились их портреты кисти одного из первых настоящих русских живописцев Ивана Никитина — и на них виден контраст между этими женщинами нового времени и остальными обитательницами царских теремов. С этого момента царицы из рода Романовых одевались только так — по-европейски.

А иногда и вовсе представали без одежды: в знак истинного обращения к западной культуре с ее культом античной мифологии император заказал портрет своей малолетней дочери великой княжны цесаревны Елизаветы Петровны в обнаженном виде — в образе богини Венеры (№3). Наступает новая эпоха...

(с) Софья Багдасарова,
культура.рф, 2016

@темы: интересности, искусство

---

Кимоно: не по делу на голое тело

В конце XIX века в Европу стали ввозить кимоно вагонами. Все японское было было модным, под Японию подделывались, стиль этот назывался "жапониз" ("японщина" по-французски).

Взглянем на один аспект этой истории: художники радостно бросились писать картины с женщинами, наряженными в красочные восточные "халаты". Делали они это в традиционной западной манере -- реалистичной, с объемом и светотенью (импрессионисты тоже). Эффект для сегодняшнего зрителя оказывается странным.



Ведь поток информации у тех авторов, разумеется, был не сравним с нынешним -- информации поступало об Японии достаточно мало. У нас же сегодня глаз привык к японской графике, мы знаем, как в искусстве "должна" выглядеть женщина в кимоно. Поэтому те картины середины XIX - начала XX веков кажутся немного забавными, наивными, а порой даже нелепыми.


Вот в качестве камертона парочка японских гравюр.

Tsukioka Yoshitoshi. A Banquet at the Koshida Palace. 1886


Utagawa Hiroshige. Ceremony Unveiling the Icon at Benzaiten, Enoshima, circa 1850


С другой стороны, мозги тех европейских художников были свободны от этого шаблона, поэтому они творили с кимоно, что хотели.

Джеймс Тиссо. Японка после бани, 1864


Если название картин будет типа "Девушка в кимоно", "Синее кимоно" и т.п., писать его не буду.

Альфред Стевенс, 1880-е?


Уильям Меррит Чейз. 1887-1893


Charles Sprague Pearce, ок. 1883


По некоторым картинам сразу видна стилистика эпохи, манерниченье

Franz Schier


Friedrich August Herkendell


Вот к такому прямо хочется любимый тэг "кадавры" поставить.

Gaspar Camps i Junyent, Осень, ок. 1907


Белые женщины, выросшие в другой эстетике и культуре тела (например, танцевавшие совсем другие танцы, и ходившие совсем в другой обуви и другими шагами), разумеется совсем по-другому функционировали внутри кимоно. На их телах складки ложились совсем не так. Все благородство покроя, на мой взгляд, как-то линяло, сдувалось.

Guy Rose - The difficult reply, 1910


Robert Lewis Reid


В картинах эти женщины и эти художники сохраняли привычный "европейский" язык тела, тоже достаточно условный, если речь идет о более ранних картинах, где видны следы театральных поз эпохи классицизма.

Leon Jean Basile Perrault - Maternity, 1873


Alphonse Marx



Кто хоть как-то попытался воспроизвести язык тела обладательниц кимоно, так это Моне -- но на то он и гений и самый знаменитый художник из перечисленных здесь.

Клод Моне. Мадам Моне в японском костюме, 1876


Здесь художник тоже задумался об этой проблеме, но осанка девушки -- явно с оглядкой не на печатные листы с картинками из Японии, а на фарфоровые статуэтки, причем даже скорее китайские, видите по этому изгибу силуэта?

Уистлер. Принцесса из страны фарфора, 1863


Уистлер, кстати, тоже гений, если кто не в курсе. В этой картине вышло даже лучше, чем у Моне, на мой взгляд -- более импровизационно, чем подражательно.

James McNeill Whistler - Caprice in Purple and Gold- The Golden Screen, 1864


Другие плодили все то же: хорошеньких барышень в стандартных салонных образах.

Alfred Stevens - La Parisienne japonaise, 1872


Уставить все экзотическими предметами, ширмами и вазами, увешать гравюрами -- и стало красивенько!

Фредерик Эндрю Бослей, 1923


Robert Lewis Reid


Носили кимоно (да, я знаю, что правильный термин не такой, но для европейцев все одним обзывалось) совершенно удивительными способами.
Вот эта дама, современница Анны Карениной, по-моему, вообще с турнюром надела.

Gustave Léonard de Jonghe, 1865


Плечи голые, фу. Приличные гейши так не ходят.

Вообще тут колористическая гамма вырви глаз, при всем моем уважении к армянским художникам -- у них свои представления о правильной палитре, конечно.

Вардгес Суренянц, "Гейша", 1900


Можно и сиськи показать, кимоно же -- это "халат", это неглиже, белье практически!

Frederick Carl Frieseke, 1903


Max Nonnenbruch, 1900


Эту картину я бы и не догадалась взять в этот список, если б не ее название.

Delphin Enjolras - Le kimono japonais


Интересно, сколько кимоно было "поддельными", не из Японии на самом деле.

Frederick Carl Frieseke, 1915


Ганс Макарт, 1870-е


Теперь снова запахнутые.

Анна Билинская, 1888


William Merritt Chase, 1888


Stanisław Dębicki


Как завязывать кимоно, тоже не все знают.

Gustave Courtois, 1890


Emil Dill - Marie im Kimono II, 1900


А тут китайское или японское?

Emil Orlik - Frau auf dem Diwan, 1916


Тулуз-Лотрек. Мадам Лили Гранье, 1880-е


С модными прическами смешное сочетание

Etienne Buffet, 1931


Тут с поясом-оби вообще какая-то авария случилась. Похоже стало на цыганку с шалью -- более привычную для художников экзотику, еще с эпохи романтизма.

Jules Joseph Lefebvre, 1882


Max Nonnenbruch


Конечно, чем талантливей художник, тем лучше получается. Удивительное совпадение, да?

А. Цорн. Девочки Саломон, 1888



William Merritt Chase, 1903


Тут у барышни вострая сабля зачем-то.

Charles Sprague Pearce - Fantasie, 1883


А вот ставлю не белую женщину, а японскую, но в качестве ремарки -- для иллюстрации мысли "чем велик Верещагин".

В. Верещагин. Японка, 1904

Что, Верещагину бы во время его азиатского путешествия не подогнали бы японок в ярких праздничных кимоно? Да легко. Но посмотрите, что он предпочитает писать. Не экзотическую попугайность красок. А экзотическую конструкцию наряда, например. Отсюда и избранная сдержанная гамма.

Но это я отвлеклась: европейских художников, которые маслом писали японок в естественных условиях достаточно много, и картины у них не такие смешные, как я тут привожу, ибо среда все-таки диктовала. Тут я их специально больше не ставлю.

***

Эта серия хорошая, художник планомерно наблюдал именно за поведением тяжелой ткани и необычного покроя.

George Hendrik Breitner
Серия картин с изображением натурщицы Geesje Kwak в красном и белом кимоно, 1894




Его же картина, более ранняя. Видите, совсем про другое.

"Серьга", 1893


Даже когда все вроде в порядке, что-то неуловимое выдает в этих "японках" советского разведчика.

Например, прическа, явно со взбитыми локонами какими-то.

Роберт Генри, 1909


Gyula Tornai


Даже котики не спасают.

Charles Spencelayh


Но возник постимпрессионизм, за ним экспрессионизм и вообще замаячил на горизонте абстракционизм: эстетика начала более или менее приближаться к исходной японской, за счет появления плоскостности, свойственной графике.

Все почему? Художники переходной эпохи, как я ранее рассказывала, учились у экзотических культур их "примитивному" (кавычки не пропустите) видению, чтобы избавиться от того "реализма", который в искусстве XIX века приобрел такую напыщенность и слащавость. Мне кажется, на примерах "девушек в кимоно" выше это дурновкусие в некоторых случаях было особенно видно.

А теперь вот идет серьезная мыслительная работа по избавлению от финтифлюшек.

Henri Lebasque - Auf der grünen Bank, Sanary, 1911


William Merritt Chase, 1895


Henri de Toulouse-Lautrec - Lili Grenier in a Kimono, 1888


Frederick Carl Frieseke, ок. 1910


Андре Дерен. Мадам Матисс в  кимоно, 1905


Юлиан Фалат, 1910


Nono in a Japanese Robe by Henri Lebasque, 1912


А чего хорошего в этой умственной работе по упрощению, спросят меня противники "современного искусства" (те самые, которые начинают его с Малевича). Да как объяснить... просто без всего вот этого мы бы сегодня не имели вот это (см. фото ниже), и весь дизайн ХХ века, например. Понятно, почему?




***

Ну и как симметричный ответ -- "европейская" сценка из японской жизни.

Toyohara Chikanobu. Ueno Shinobazu Racecourse, 1885


(c)

@темы: картинкоспам, красивости

---

Маяк де Кереон (Le Phare de Kereon). А что там внутри?

Маяк де Кереон (Le Phare de Kereon) по праву заслужил свое название «Морской дворец». С особой величавостью эта гранитная крепость стоит в открытом море между островами Уэссан и Молэн . Де Кереон являлся последним обитаемым маяком, двери которого закрылись только в 2004 г. Сейчас маяк полностью автоматизирован.

Интересно вам как он выглядит внутри?


2

У юго-восточного побережья острова Уэссан в открытом море на скале Мен Тензель (в переводе с бретонского – «злобный камень» расположен маяк Кереон. Его строительство началось в 1907 году и продвигалось с трудом из-за сильных течений. В 1910 году проект был изменен, а конструкция увеличена благодаря пожертвованию внука французского морского офицера по фамилии Кереон. 25 октября 1916 года маяк был введен в эксплуатацию, став последним маяком-памятником, построенным во Франции.

Место, где располагается маяк, очень опасное, местные воды отличаются обилием сильных течений.

Этот маяк является самым молодым в числе действующих маяков Франции, он отличается невероятно красивым внутренним оформлением. За входной дверью посетителей встречает просторный зал с дубовым паркетом, а винтовая лестница маяка украшена искусной мозаикой. Стены маяка тоже обшиты деревянными панелями, которые выполнены из венгерского дуба.






В маяке оборудовано пять комнат, среди которых есть и шикарный рабочий кабинет. Несмотря на то, что маяк электрифицировали еще в 1972 году, после этого на протяжении нескольких десятилетий в маяке все равно постоянно находился смотритель. Сегодня многие путешественники мечтают своими глазами увидеть убранство одного из самых шикарных французских маяков.





Экскурсии для туристов организуют только в теплое время года и только при благоприятных погодных условиях








3

Хранители маяков проходят весь путь, начиная от «ада» (маяки в открытом море), через «чистилище» (острова) и до «рая» (континента) в одиночестве, причем не только метафизическом. В XX веке хранителями часто становились ветераны Первой мировой войны; как ни странно, и после Второй мировой эта профессия считалась «привилегированной» для инвалидов войны. Современный уровень техники делает ненужным присутствие человека в здании маяка.

4

В 1972 году маяк был электрифицирован благодаря двум ветряным мельницам. Последний хранитель покинул его 29 января 2004 года, прервав вереницу своих коллег, следовавших для несения своей службы один за другим в любое время года и в любых погодных условиях.

5




Шторм тут конечно не всегда:




6

7

8

9



10

11

12

13

14

15

16

17

18

19

20

21

22

23

24

25

(c)

@темы: картинкоспам, архитектура

---

Пролетая над Италией

Это видео позволяет представить, какой вид открывается из иллюминаторов космических станций. Оно показывает в режиме реального времени полет МКС над Италией. Видео было снято при помощи камеры RED Dragon 29 августа 2017 года. Музыка — Daylight by Roob Sebastian.



(c)

@темы: видео, космос, YouTube

---

Мастера монохромного: почему некоторые из величайших полотен превратились в монохром

Представьте, что вы не можете видеть все цвета спектра, только черный - белый доступен. Вы сразу, наверно, поймете, что вам что-то не хватает – все оттенки серого оказались просто урезанным видением реальности.
Но на протяжении веков художники намеренно убирали цвет в своем искусстве как способ сделать его более тонким и сложным. От Яна Ван Эйка, Рембрандта и Энгра до Дега, Пикассо и Герхарда Рихтера художники создали - и воссоздали - изображения в монохромном виде, чтобы подчеркнуть композиции в своих работах.

Художественная традиция

Эта история начинается, как и многие другие в западном искусстве, с церкви.

Ян ван Эйк – Благовещение, диптих, ок. 1433-35, Архангел Гавриил (левое крыло), Дева Мария (правое крыло), дерево, масло

В 12-ом столетии цистерцианские монахи ограничивали количество цветов, используемых в витражах, чтобы уменьшить чувствительную стимуляцию и поощрять более медитативное поклонение Богу.

Несколько столетий спустя, в раннем Северном Ренессансе, благочестие накинуло покровы над своими ярко окрашенными алтарями во время Великого Поста.

А люди стали скрывать свое искусство, они писали в гризайле - изображения, полностью состоящие из серых или нейтральных тонов.

Эти внешние сюжеты, написанные поверх ярких, красочных картин скрывали зачастую шедевры, но и сами были прекрасными работами, созданными мастерами.

Одна из самых ранних работ - набор наружных дубовых панелей для портативного алтаря фламандского мастера Ганса Мемлинга, представляет собой два изображения гризайла, выполненных в стиле, напоминающим высеченные каменные статуи. Мимические скульптуры были умным решением проблемы отказа от цвета.

Это была практика, лежащая в основе жаркого соперничества художников и скульпторов во время итальянского Возрождения.

Хендрик Гольциус, «Без Цереры и Вакха, Венера замерзнет» (1599)

Картина Хендрика Гольциуса привлекла большое внимание, когда она была создана, зрители не могли понять, как это было сделано, потому что это похоже на печать.

Мастерская Питера Пауля Рубенса (1577-1640)
Три грации, масло, дерево

На протяжении многих лет имитационные скульптуры становились модными оптическими иллюзиями, используемыми в дизайне интерьера - они имитировали камень без затрат. Но художники знали другие способы произвести впечатление монохромным изображением.

Фактически, некоторые художники предпочли воспроизводить цветные картины в монохромном виде. Это доказывало, что у них есть навык, необходимый для овладения светом и оттенком без цвета.

Спустя годы после провокационной «Великой одалиски» (1814) французский неоклассический мастер Жан-Доминик Энгр продемонстрировал  свое мастерство живописи в градации оттенков.

«Это был способ лучше понять падение света на различных поверхностях, - сказал Пэкер.

Модернизм в монохромном

По мере распространения гравюры в XVI и XVII веках художники понимали, что тиражирование их картин означает достижение более широкой аудитории. И они начали превращать полихромные шедевры в черно-белые как руководство для гравёров.

Но дальше еще интереснее - к 20-му столетию оборотная сторона этой практики возникла, когда художники, такие как Пикассо, Уорхол и Рихтер, начали работать с черно-белыми изображениями, чтобы имитировать массовое производство механической печати.

Пабло Пикассо, «Лас Менинас (Infanta Margarita María)» (1957).

Пикассо лихо подражал газете в «Гернике» (1937). И ограничил свою палитру, одновременно подражая испанским старым мастерам в произведениях, таких как «Лас Менинас» («Инфанта Маргарита Мария» 1957 года», отдавая лань уважения Диего Веласкесу. Он резко драматизирует сцены контрастом и темными, безумными линиями. Работа «Менины по Веласкесу» — это своеобразная вариация на общеизвестный милый сюжет, вариация очень смелая и крайне оригинальная. И она в монохромной гамме.

Склеп. Здесь Пикассо использовал масло и уголь. Поразительно, как мастер пользуется тенями – это своего рода метод художественного воздействия. Все фрагменты рисунка подчёркиваются резкими тенями, выписанными голубыми и тёмными сизо-фиолетовыми красками. Выполненная в гризайле, она производит впечатление черно-белого изображения, а некоторые фрагменты откровенно монохромные.

Верхнюю часть работы Пикассо намеренно оставил лишь в рисунке, тем самым переместив акцент именно на сам склеп.
Сегодня картина «Склеп» экспонируется в Нью-Йорке и входит в список самых известных работ Пабло Пикассо.

Marlene Dumas, «The Image as Burden» (1993)

Некоторые художники на самом деле выбрали черно-белую живопись как способ продемонстрировать свои навыки.

Герхард Рихтер, «Хельга Матура с ее женихом» (1966)

Иногда монохром дает совсем другое, неожиданное прочтение сюжета.
Например, для Рихтера отсутствие цвета на этой фотографии проститутки, которая была жестоко убита, устраняет все эмоции от этого ужасного преступления.

Франк Стелла, «Парк Томлинсон Корт I» (1959)

Герхард Рихтер, «Серое зеркало - 765» (1992)

В течение всего 20-го века художники использовали черное и белое, чтобы имитировать массовое производство механической печати.
сайт Пикассо
ссылка

(c)

@темы: интересности, искусство

---

Эта фигура никогда не перестанет кричать

Но с сочлененными руками и туловищем вы можете хотя бы сделать ее немного менее расстроенной.

«Столовый музей» представляет ряд фигур, основанных на известных произведениях искусства, которые почти любой узнает.
Седьмая по счету фигура, которая присоединится к этой серии, это художественный экспонат к произведению Эдварда Мунка «Крик»: шедевр, который привлекает внимание поклонников искусства и по сей день.

(c)

@темы: картинкоспам, XD

---

Подготовка и запуск Sentinel-5P

На представленном таймлапсе запечатлена процедура предстартовой подготовки спутника Sentinel-5P. Запуск состоялся с космодрома Плесецк 13 октября 2017 года. Для этого была использована ракета «Рокот».

Sentinel-5P был запущен в рамках европейской программы Copernicus. Она предполагает создание ряда космических аппаратов, предназначенных для постоянного мониторинга земной поверхности и отслеживания ее изменений. Эти данные предполагается использовать в сельском хозяйстве, промышленности и для защиты окружающей среды.

(c)

@темы: видео, космос, YouTube